Interview by Laure Raffy for HAYP Pop Up Gallery
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Lussine Ghukasyan – interview – HAYP_En
Lussine Ghukasyan – interview – HAYP_Francais
The visual artist Loussiné Ghukasyan exhibited at the previous HAYP Pop Up Gallery, “12 | 12 | 12 RETROSPECTIVE”, in Yerevan last December 2018. She was also a contributing artist at HAYP Pop Up Gallery’s “Lips of Pride” in 2016, and “Downshift” in 2017.
Laure Raffy: You studied design for 5 years at the State Academy of Fine Arts in Yerevan, what did this training bring you and how did it influence your artistic practice?
Loussine Ghukasyan: Initially, I applied to study etching and print media. In Armenia, the situation for artists is quite complicated. It’s not easy to take paths that differ from traditional ones, or to practice a profession that allows you to earn enough money to make a living. I decided to integrate design into my studies, thinking it would help me find work afterwards. But in the end, I chose to follow yet another path, specializing in painting. I loved the medium but not the pedagogy at the Academy. The environment was quite rigid.
So, I used to take my tools upstairs, alone on the terrace where I would paint the whole day before coming back down to the studios to present my work. This reminds me of a funny anecdote, I used to leave lots of empty space on my canvas. One day, a teacher came to me and told me that I had forgotten to complete some parts, as the entire canvas wasn’t covered.
I started to move away from the academy. Realism as a style and as a teaching method didn’t suit me. I felt like something was missing, like I couldn’t realize my ideas, my desires. I concentrated on drawing, which gave me more freedom. I felt more free to use white and black, a pallet I generally feel close to.
LR: Your works are quite abstract with distinct lines. We don’t immediately guess what is hidden in these paintings, maybe that’s why we could find your works a bit frightening?
LG: I think that “beauty” hits you at first sight- a first glance. What you discover afterwards interests me more. I hope that my work escapes from what I call “first look”, I try to focus on the second encounter. My canvases reveal what emanates from the form: noise, emptiness, agitation … Occasionally I integrate color into my paintings. For instance, there’s a lot of blue in my works exhibited at 12 | 12 | 12. The work is actually called “In the Blue”. I have to say, naming my works is something really difficult for me. Titles don’t matter in my artistic practice. But blue is an important color for me. It’s the color of the night, thoughts, flowing water…
LR: Could you tell us about the context in which this work was produced?
LG: Two of the paintings presented in the installation were made when I lived in Marseille. I painted the third canvas when I was back in Yerevan. These paintings are the transcriptions of a wide range of emotions, encounters, important events … You can read the agitation, the movement, the fall, the trouble. The blood flowing at full speed in the veins and the body at rest. That is what I tried to express.
LR: What does the video projected on your canvases bring to the work?
LG: My video reveals fragments of life: the footsteps of passers-by in the street, their feet, the blinking of a woman’s eyes, all this slowed down. We don’t always pay attention to the gestures of everyday life. I wanted to play with the paint / video contrast in this installation. Video is essentially a moving image. In that sense, it contrasts with painting, a fixed image. I decided to slow down the images of the video and project them on my paintings which are agitated and dark, in order to bring serenity and a slower pace to the experience. The second part of my video, a white screen without image, illuminates the painting. It represents the only moment when we can distinguish the works on canvas in isolation, without distraction or filter; exposed.
LR: Are your works on canvas preceded by sketches?
LG: My practice is spontaneous. I paint directly on canvas. I do not make a preliminary sketch. I like being alone when I paint, I like working without the eyes of others. When I make street art, for example, I usually don’t talk to anyone about it beforehand. These pieces are discovered later, through photos, traces .. I’m not really interested in live-painting, I prefer to produce and reveal later.
For example, during exhibition openings I used to escape when visitors arrive. I let them discover the work in the space. It’s not me directly that I reveal but my work, which of course, is also a part of me. I like to disappear and to erase myself through my artworks.
These last few weeks I’ve been working outside in the street, more than in my studio. I really try to choose specific places that connect to the landscape in order to make my art.
LR: We can see that language, words, are also very present in your practice.
LG: Indeed, I don’t always draw. I also like to write … When I make murals, I use a paint brush or marker. I like to use the brush more on the wall. It allows me to feel the space, the movement and textures.
I remember a project I did in Greece last summer. I went for a walk and brought some materials along with me, brushes, oil paints. Sitting in front of a huge wall, I thought about the notion of image. I wondered if it was really more useful than words and language. Spontaneously, I wanted to make a large-scale work. I grabbed a stick of wood to lengthen my brush and paint on this gigantic wall.
Here is what I wrote: “Be alone. Listen to the sound of the sea. Dance “
I was on a remote, wild beach. I thought about the people who would come to the sea and see this message. I imagined them dancing. I thought at that moment of the peace they could find, alone with themselves, in this almost deserted place.
I made other pieces when I returned to Armenia, other messages. For instance, a glorious day spent by the river, away from [the city of] Yerevan. The river flow was forked by a hydro company so that some of the water would flow into large concrete pipes that would produce electricity. Meters and meters of tubing. On one of them I wrote: “Listen to the sound of the river. Dance.”
A suggestion to listen to the water flowing in the tube, to try at least … These tubes completely break the cycle, the natural rhythm, I found it sad. These few words hoped to bring back a little poetry.
LR: How do you make a living here as an artist?
LG: It’s not easy. When I paint, I’m not thinking about selling my works.
I don’t think they would interest collectors. They are quite dark and people would not necessarily want to exhibit them in their homes. To make an income, I do book illustrations for an agency in New York, mostly children’s books.
Shortly after this interview was done (and prior to publishing), Loussiné GHUKASYAN’s works were on view at the Urban Festival in Yerevan in March 2019, a collaboration initiated by “Visual Gap Gallery” and the Goethe Institute in partnership with the German Embassy, where Loussiné participated in workshops led by a group of street artists from Hamburg, Germany.
L’artiste plasticienne Loussiné GHUKASYAN était présentée lors de la dernière exposition d’HAYP Pop Up Gallery, 12|12|12 , en décembre dernier, à Yerevan. Elle a aussi contribué à « Lips of Pride » en 2016 et « Downshift » en 2017 initiés par cette même galerie.
Laure Raffy: Vous avez durant 5 ans étudié le design à l’Académie des Beaux Arts d’État d’Erevan. Que vous a apporté cette formation, en quoi a-t-elle influencé votre démarche et vos choix artistiques?
Loussiné Ghukasyan: Initialement, j’ai déposé ma candidature pour apprendre la gravure. En Arménie, la situation des artistes est assez compliquée. Ce n’est pas évident d’emprunter des chemins différents des schémas traditionnels :exercer une profession qui permette de bien gagner sa vie.
J’ai décidé d’intégrer la fac de design en pensant trouver du travail par la suite. Finalement, j’ai choisi de suivre une autre formation, spécialisée en peinture. Même si le medium me plaisait beaucoup, je ne me reconnaissais pas dans les méthodes d’enseignement, la pédagogie de la formation. Le cadre était assez rigide.
Donc, je prenais mon matériel, je montais au dernier étage, seule, sur la terrasse et je peignais des journées entières avant de redescendre pour présenter mes travaux.
J’ai une anecdote amusante, j’avais l’habitude de laisser du blanc sur mes tableaux, de l’espace. Un jour, un professeur est venu me voir et m’a signalé que j’avais oublié des parties, que l’ensemble de la toile n’étais pas recouvert. Au fur et à mesure je me suis éloignée de cet enseignement de peinture réaliste car il ne me convenait pas vraiment. J’éprouvais un manque, j’avais l’impression de ne pas pouvoir concrétiser mes idées, mes envies. Je me suis ensuite concentrée sur le dessin, qui m’offrait davantage de liberté. Je me sentais plus libre d’utiliser le blanc et le noir, dont je me sens proche.
LR: Vos œuvres sont assez abstraites, vous utilisez des lignes, des traits. On ne devine pas de suite ce(ux) qui se cache(nt) dans ces toiles, c’est peut être en cela que l’on peut trouver vos pièces angoissantes, anxiogènes.
LG: Je pense que la « beauté » relève du premier regard, du coup d’oeil. Ce que l’on découvre ensuite m’intéresse davantage. Je souhaite que mon travail échappe à ce que j’appelle « premier regard », qu’il se concentre sur le second. Mes toiles dévoilent ce qui émane de la forme : le bruit, le vide, l’agitation… Il m’arrive tout de même d’intégrer des couleurs à mes toiles. On trouve notamment du bleu dans mes travaux exposés lors de 12|12|12. L’oeuvre s’appelle même In the Blue. D’ailleurs, il est pour moi difficile de nommer mes travaux. Les titres n’ont pas d’importance dans ma démarche.
Le bleu est une couleur importante pour moi. Il s’agit de la couleur de la nuit, des pensées, de l’eau qui s’écoule sans arrêt.
LR: Pourriez-vous nous parler du contexte dans lequel cette œuvre a été produite ?
LG: Deux des tableaux présentés dans l’installation ont été réalisés lorsque je vivais à Marseille. J’ai peins la troisième toile à mon retour à Erevan. Ces peintures sont la retranscription d’une large palette d’émotions, de rencontres, d’évènements importants… On peut y lire l’agitation, le mouvement, la chute, le trouble. Le sang coulant à toute vitesse dans les veines et le corps au repos, voici ce que j’ai cherché à exprimer.
LR: En quoi consiste la vidéo et qu’apporte-t’-elle au travail?
LG: Ma vidéo dévoile des détails de la vie : les pas des passants dans la rue, leurs pieds, le clignement des yeux d’une femme, tout cela ralenti. On ne prête pas toujours attention aux gestes de la vie quotidienne.
J’ai souhaité jouer avec le contraste peinture / vidéo dans cette installation.
La vidéo est par essence, une image en mouvement. En cela elle contraste avec la peinture, image fixe et immobile. J’ai décidé de ralentir les images de la vidéo et de les projeter sur mes peintures, agitées, sombres, afin d’y apporter du calme, de la lenteur. La seconde partie de ma vidéo, écran blanc, sans image, apporte de la lumière à ma peinture. Seul moment où l’on peut distinguer les toiles précisément.
LR: Vos travaux sont-ils rythmés par des protocoles, d’esquisse, de croquis, par exemple?
LG: Ma pratique est spontanée. Je peins directement mes toiles. Je ne réalise pas d’esquisse préliminaire. J’aime être seule lorsque je peins, j’aime travailler sans le regard de l’autre. Lorsque je réalise des pièces de street art par exemple, je n’en parle généralement à personne. Elles sont découvertes plus tard, au travers de photos, de traces.. Je ne m’intéresse plus vraiment au livepainting, je préfère produire et dévoiler par la suite.
Par exemple, lors des ouvertures d’exposition auxquelles je participe, je m’échappe lorsque les visiteurs arrivent. Je les laisse découvrir le travail dans l’espace. Ce n’est pas moi directement que je dévoile mais mon travail. J’aime disparaître et m’effacer au travers de celui-ci.
Ces derniers temps, je travaille beaucoup dehors, dans la rue, davantage qu’en atelier.
J’essaie vraiment de choisir des endroits précis qui respectent le paysage pour réaliser mes oeuvres.
LR: On peut remarquer que le langage, les mots sont aussi très présents dans votre démarche.
LG: En effet, je ne dessine pas toujours. J’aime aussi écrire…
Lorsque je réalise des muraux, j’utilise des pinceaux ou le marqueur en général.
J’aime utiliser le pinceau sur le mur. Ça me permet de sentir la matière, l’espace, le mouvement. Le feutre ne me permet pas vraiment de distinguer les textures.
Je me souviens d’un projet réalisé en Grèce. J’étais partie marcher un moment. J’avais avec moi du matériel, des pinceaux, de l’huile. Assise devant un immense mur, je réfléchissais à la notion d’image. Je me demandais si elle était vraiment plus utile que les mots et le langage.
Spontanément, j’ai eu envie de réaliser une grande pièce. J’ai saisi un bâton afin d’allonger mon pinceau et pouvoir peindre sur ce mur gigantesque.
Voici ce que j’ai écrit : « Be alone. Listen the sound of the sea. Dance »
Je me trouvais sur une plage éloignée, sauvage, j’ai pensé aux personnes qui pourraient arriver par la mer et voir ce message. Je les imaginais entrain de danser. Je pensais au moment de solitude qu’ils auraient, de retrouvailles avec eux même, dans cet espace presque désert.
J’ai réalisé d’autres inscriptions à mon retour en Arménie, d’autres messages. Notamment ce fameux jour où nous étions sortis d’Erevan pour passer la journée au bord de la rivière. Ce cours d’eau a été divisé en deux par une entreprise de sorte à ce qu’une partie de l’eau s’écoule dans de grands tubes en béton et qu’elle produise de l’électricité. Des mètres et des mètres de tube.
Sur l’un d’eux j’ai inscrit : « Listen to the sound of the river. Dance ». Une incitation à écouter l’eau qui s’écoule dans le tube, essayer du moins… Ces tubes rompent totalement le cycle, le rythme naturel, je trouve ça triste. Ces quelques mots y apporte peut être un peu de poésie.
LR: Comment est-ce que tu t’en sors pour vivre ici en tant qu’artiste?
LG: Ce n’est pas évident. Lorsque je réalise mes toiles, je ne pense pas à les vendre. Je pense d’ailleurs qu’elles n’intéresseraient pas beaucoup de collectionneurs. Elles sont assez sombres et des gens n’auraient pas forcément envie de les exposer chez eux. Pour gagner ma vie, je réalise des illustrations pour des livres, avec une agence installée à NY, des livres jeunesse notamment.
On rencontrait Loussiné GHUKASYAN il y a quelques semaines, à l’Urban Festival , manifestation initié par la Galerie « Visual Gap Gallery » et l’Institut Goethe, où elle participait aux ateliers menés par un collectif d’artistes Hambourgeois.
